El dibujo del cuerpo humano

Se llama canon a las medidas "ideales" que tiene un cuerpo humano armonioso. En la vida real, no todas las personas cumplen con esas medidas. Aquí les dejo un video que nos muestra cómo aplicar el canon para dibujar el rostro humano.

Mi recomendación es ensayar una y otra vez, hasta que estemos cómodos y podamos dibujar un modelo real, para lo cual estas medidas nos servirán como guía. Lo importante es observar y ensayar, para lograr un dominio aceptable de la técnica.

Otra cosa: en el video se nos dice que son cinco ojos como medida para la ubicación de los dos ojos: uno en medio de ambos para separarlos, y dos a los lados para la distancia con el borde del rostro (las orejas). Otros dibujantes mencionan que estos últimos no deben ser uno de cada lado, sino medio de cada lado, quedando así una distancia de cuatro ojos y no de cinco. Una vez más, conviene ensayar ambas medidas.

En los siguientes blogs pueden encontrar grandes consejos y profundizar en la representación del rostro y el cuerpo humanos:

http://tecnicasdedibujoenlamoda.blogspot.mx/p/dibujo-del-cuerpo-humano.html

http://miguelangelmont.blogspot.mx/p/como-dibujar-el-rostro-humano.html

Espero que les sean de ayuda. Próximamente publicaré más material y ligas a sitios de interés. Hasta la vista.

El grabado: impresionantes impresiones

¿Has visto como se estampa un sello en un documento legal? Puede ser un certificado de estudios, una credencial, una constancia, etc. El sello es un grabado en miniatura.

Desde la antigüedad, en Sumeria, se descubrió que era posible reproducir un dibujo si se le hacía "escarbándolo" en una superficie plana (que se le llama matriz), y mediante tinta, aplicando presión, imprimirlo en tela, papel, etc. Entonces lo hacían con forma cilíndrica, para imprimirlo rodándolo.

Las técnicas del grabado se suelen clasificar de acuerdo con el material en que se realizan, como por ejemplo, la xilografía (en madera), la  linografía (en linóleo) o la litografía (piedra caliza pulida).

Antes de la invención de la fotografía, el grabado se empleaba para ilustrar los libros. También se empleó para ilustrar periódicos.

El grabado es una de las expresiones artísticas más antiguas, que ha permitido dejar testimonio de hechos históricos a través de las distintas épocas, en distintos países.

Fan Art: fanáticos artistas

Gracias a los medios masivos de comunicación, algunas expresiones artísticas han ido cobrando mayor relevancia. Una de las más populares en la actualidad es el fan art o fanart, que viene a aplicarse a una obra de arte realizada por un fanático, el cual se inspira en la obra de otro artista, en otra época, o en un universo imaginario, sus personajes, etc.

El fan art requiere de un trabajo de cita y estudio estético (estilo) que lo hacen reconocible del simple copiado o imitación de estilo.

El propósito del fan art es generar nuevas narraciones expandiendo el universo de los elementos tomados.

Arte Cinético: Poesía En Movimiento

Dentro de las tendencias modernas del arte, en la pintura y en la escultura, podemos encontrar una corriente llamada Arte Cinético, el cual pretende dotar de movimiento o de apariencia de movimiento a sus producciones.

En el caso de la escultura cinética, destacan los elementos móviles dentro de ella; en el caso de la pintura, se propone un efecto óptico que reproduce la apariencia de movimiento.

Como podemos ver en el vídeo anterior, la escultura Cinética puede aprovechar el viento para generar el movimiento.

También puede ser motorizado, controlado electrónicamente o mecánicamente.

Características:

• El arte cinético se basa en la búsqueda de movimiento, pero en la mayoría de las obras el movimiento es real, no virtual.
• Para realizar la obra el artista se plantea y sigue una estructura rigurosamente planificada.
• La mayoría de las obras cinéticas son tridimensionales, se despegan del plano bidimensional.
• Los recursos para crear movimiento son casi infinitos, tales como el viento, el agua, motores, luz, electromagnetismo.
• Busca la integración entre obra y espectador.

Pintura al pastel: Técnica seca

Aunque se parece mucho al dibujo, el uso de colores pastel es considerada como técnica de la pintura.

El pastel es una técnica cuya consistencia se difumina al borde del objeto dónde se plasma. Existen lápices que se utilizan con trazos finos y delicados. Se presenta en grafitos de aceite.

Es realizada sobre papel rugoso, de colores neutros, que permiten realizar imágenes con efectos muy particulares:

Para obtener los efectos de difuminado se pueden emplear los dedos de las manos, trozos de papel o hasta los nudillos. Al difuminarse, los colores se mezclan de manera especial, dándonos algunos efectos muy interesantes.

La Acuarela: apuntes breves

Una de las técnicas de la pintura que ofrece muy especiales formas de expresión es la acuarela.

En esta técnica se aprecia textura, manchas y goteaderos diluidos de pintura; Se puede trabajar con agua y en seco logrando texturas parecidas a las de un gis sobre la pizarra. Todos estos elementos logran un efecto visual propio de la acuarela.

La acuarela es un tipo de pintura que generalmente se realiza sobre papel o cartón (cartulina), que requiere de mucha agua para diluirse, y crear esos efectos que hemos mencionado. Se suele pintar en capas transparentes (a mayor agua empleada, mayor transparencia) por lo que el rol que juega el papel o cartulina en el resultado final es muy importante, ya que se convierte en un tono más de la pintura.

Algunos conceptos sobre los elementos técnicos del dibujo y la pintura

El dibujo y la pintura pertenecen a lo que tradicionalmente se conoce en las artes plásticas como gráfica. Ambas disciplinas comparten algunos elementos compositivos, pero cada una tiene sus propias técnicas. Veamos algunos conceptos generales.

La composición, que se refiere a la forma como acomodamos los elementos que van a aparecer en nuestro cuadro o nuestro dibujo (o también en nuestra fotografía, o escultura, de hecho) se vale de elementos constitutivos como la simetría:

Simetría es definida en el diccionario como "Correspondencia exacta en forma, tamaño y posición de las partes de un todo". También así: "Correspondencia exacta en la disposición regular de las partes o puntos de un cuerpo o figura con relación a un centro, un eje o un plano". Simetría es un principio que da equilibrio. Se distingue al dividir con una línea imaginaria el centro de una imagen, ya sea de forma vertical u horizontal, o ambas, como en la imagen de arriba.

En las artes visuales, la simetría no siempre es perfecta, pero nos permite darle equilibrio y armonía a nuestras imágenes:

Aquí vemos un ejemplo de simetría cuyo eje es horizontal:

Otro elemento es la perspectiva: Es el arte de dibujar volúmenes (objetos tridimensionales) en un plano (superficie bidimensional) para recrear la profundidad y la posición relativa de los objetos. 

Un plano (una hoja de papel, un pliego de cartulina, un lienzo en los cuales vamos a dibujar o a pintar) solamente tiene dos dimensiones: altura y anchura; un volumen tiene tres dimensiones: altura, anchura y profundidad. La perspectiva nos permite engañar al ojo para que perciba en un plano la tercer dimensión: profundidad. Esto le da más realismo a nuestra imagen.

Para crear la perspectiva necesitamos hacer que los objetos que están más cerca aparezcan más grandes que los que están lejos, lo cual se logra mediante el punto de fuga, que es el punto "lejano" en el cual se juntan todas las líneas que conforman nuestro dibujo, si las prolongamos de forma imaginaria: