Símbolos y Alegorías

Un símbolo básicamente es la imagen de un objeto que representa a otro objeto, persona, idea, concepto, país, etc. Los símbolos son una forma simple de comunicar ideas, que culturalmente son aceptadas. La imagen de una paloma blanca representa la idea de paz; la imagen de un búho posado sobre un libro usando un birrete representa sabiduría. La imagen de las golondrinas simboliza despedida, por ello se usan en las graduaciones.

Hay diversos tipos de símbolos y de formas de utilizarlos. En química se utilizan algunas letras para representar los elementos en la tabla periódica (Pb=plomo; Au=Oro; Fe=Hierro, etc.). En música se utilizan figuras de nota para representar sonidos.

Dentro de las artes visuales, los símbolos se han utilizado para comunicar visualmente distintos mensajes o ideas. Son un recurso muy valioso que nos permite expresarnos de manera muy especial. En las artes visuales podemos emplear símbolos perfectamente aceptados y utilizados culturalmente, o crear nuestros propios símbolos.

Una de las aplicaciones de los símbolos más utilizadas en las artes visuales es en la forma de alegorías. Una alegoría es la personificación de una idea.

La imagen de una mujer con los ojos vendados, una balanza en una mano y una espada en la otra es una alegoría de la justicia. Cada uno de esos elementos constituye un símbolo, representando las características de la justicia: no toma partido, pesa los hechos y evidencias y está lista para ejecutar el juicio, respectivamente.

Jorge González Camarena es el autor de la obra anterior llamada "La patria". Es una alegoría de México. ¿puedes encontrar los símbolos que la componen?

Características generales de las vanguardias

El término vanguardia (del francés avant-garde, término del léxico militar que designa a la parte más adelantada del ejército, la que confrontaría la «primera línea» de avanzada en exploración y combate) se utilizó posteriormente para denominar, en el terreno artístico, las llamadas vanguardias históricas, una serie de movimientos artísticos de principios del siglo XX que buscaban innovación en la producción artística; se destacaban por la renovación radical en la forma y el contenido; exploraban la relación entre arte y vida, y buscaban reinventar el arte confrontando movimientos artísticos anteriores.

Movimientos:

1.       Fauvismo:

2.       Cubismo

3.       Pop art

4.       Op-art

5.       Arte Abstracto

6.       Futurismo

7.       Expresionismo Abstracto

8.       Surrealismo

9.       Expresionismo

10.   Muralismo

Ø  Una de las características visibles de las vanguardias fue la actitud provocadora.

Ø  Se publicaron manifiestos en los que se atacaba todo lo producido anteriormente, que se desechaba por desfasado.

Ø  Reivindicaba lo original, lo lúdico, desafiando los modelos y valores existentes hasta el momento.

Ø  Surgen diferentes ismos (futurismo, dadaísmo, cubismo, constructivismo, ultraísmo, surrealismo, suprematismo, rayonismo, etc.), diversas corrientes vanguardistas con diferentes fundamentos estéticos, aunque con denominadores comunes

Ø  La lucha contra las tradiciones, procurando el ejercicio de la libertad individual y la innovación.

Ø  Audacia y libertad de la forma.

Ø  El carácter experimental y la rapidez con que se suceden las propuestas, unas tras otras.

Ø  En la pintura ocurriría una huida del arte figurativo en favor del arte abstracto, suprimiendo la personificación. Se expresaría la agresividad y la violencia, violentando las formas y utilizando colores estridentes. Surgieron diseños geométricos y la visión simultánea de varias configuraciones de un objeto.

Ø  El poeta/artista/arquitecto vanguardista no estaba conforme. Como el pasado no le servía, tenía que buscar un arte que respondiera a esta novedad interna que el individuo estaba viviendo, apoyándose en la novedad original que lleva dentro.

Ø  Tenían que abandonarse los temas viejos, carentes de sentido y sin respuestas para el individuo nuevo.

Ø  Una conciencia social los llevaba a tomar posiciones frente al individuo y su destino.

Más información e imágenes en:

vanguardias-sigloxx.blogspot.mx

http://lavanguardiadelartevisual.blogspot.mx/

http://javieralezaeta.blogspot.mx/2012/05/las-vanguardias.html

Tipos de retrato

Continuando con la representación del rostro humano en las artes visuales, conozcamos ahora los tipos de retrato.

El primero del que hablaremos es el Retrato Psicológico. Ya los romanos en la antigüedad procuraban reflejar en sus esculturas de los héroes, líderes y otros personajes su carácter y virtudes. El retrato psicológico es el que se refiere a una imagen que revela sensaciones e incluso intenciones dentro de la figura retratada. veamos algunos ejemplos:

Otro tipo de retrato, muy común en estos días, es el retrato publicitario. Los seres humanos somos muy visuales, y la publicidad se vale de rostros conocidos, de artistas, actores famosos, celebridades y atractivos modelos para llamar nuestra atención y promover sus productos. El retrato publicitario está diseñado para atraer fuertemente nuestra atención.

A continuación tenemos el retrato alegórico. Es el que representa de una manera magnificada, exaltando las características positivas y apropiadas para impactar al observador, suelen ser muy bellas pero solo es manipulación visual  a favor del modelo retratado. 

Recordemos que la alegoría es la personificación de algo más, como el amor, la historia, la educación, la libertad, el trabajo, etc. y que recurre a diversos símbolos para acentuar esa representación simbólica. Recordemos que el símbolo es un objeto que representa a otro objeto o concepto.

Finalmente, pero no menos importante, está el retrato documental. Este es el que rara vez miente, la imagen dice lo que ve y nada más, el paso del tiempo le da la calidad de documento visual.

Expresiones Artísticas con el Cuerpo Humano

El cuerpo humano no solamente ha sido fuente de inspiración para realizar obras de arte, sino que se ha utilizado también como soporte para la realización de obras de arte. A continuación podemos apreciar algunas expresiones artísticas que han utilizado el cuerpo humano de esa manera:

1 Body Paint:

2 Tatuaje

3 Maquillaje artístico:

4 Piercing:

Bueno, lo que es el body paint y el maquillaje artísticos son temporales, expresiones efímeras que se hacen para una sola ocasión; en el caso del tatuaje y del piercing, se trata de formas de decorar el cuerpo, que de hecho datan de muchos siglos atrás: se sabe de momias egipcias con tatuajes; los piercings son mencionados en la Biblia, como "zarcillos en la nariz"; por lo general se trataba de elementos que asociaban a la persona que los tenía con un grupo social, o bien eran el símbolo de un pacto con una persona poderosa, con un grupo prominente o con alguna deidad. Hoy en día pueden asociarse a la moda, con la desventaja de que ésta cambia, pasa y el tatuaje o la perforación siguen con la persona. ¿Qué les parece estos usos del cuerpo humano en el arte?

El dibujo del cuerpo humano

Se llama canon a las medidas "ideales" que tiene un cuerpo humano armonioso. En la vida real, no todas las personas cumplen con esas medidas. Aquí les dejo un video que nos muestra cómo aplicar el canon para dibujar el rostro humano.

Mi recomendación es ensayar una y otra vez, hasta que estemos cómodos y podamos dibujar un modelo real, para lo cual estas medidas nos servirán como guía. Lo importante es observar y ensayar, para lograr un dominio aceptable de la técnica.

Otra cosa: en el video se nos dice que son cinco ojos como medida para la ubicación de los dos ojos: uno en medio de ambos para separarlos, y dos a los lados para la distancia con el borde del rostro (las orejas). Otros dibujantes mencionan que estos últimos no deben ser uno de cada lado, sino medio de cada lado, quedando así una distancia de cuatro ojos y no de cinco. Una vez más, conviene ensayar ambas medidas.

En los siguientes blogs pueden encontrar grandes consejos y profundizar en la representación del rostro y el cuerpo humanos:

http://tecnicasdedibujoenlamoda.blogspot.mx/p/dibujo-del-cuerpo-humano.html

http://miguelangelmont.blogspot.mx/p/como-dibujar-el-rostro-humano.html

Espero que les sean de ayuda. Próximamente publicaré más material y ligas a sitios de interés. Hasta la vista.

El grabado: impresionantes impresiones

¿Has visto como se estampa un sello en un documento legal? Puede ser un certificado de estudios, una credencial, una constancia, etc. El sello es un grabado en miniatura.

Desde la antigüedad, en Sumeria, se descubrió que era posible reproducir un dibujo si se le hacía "escarbándolo" en una superficie plana (que se le llama matriz), y mediante tinta, aplicando presión, imprimirlo en tela, papel, etc. Entonces lo hacían con forma cilíndrica, para imprimirlo rodándolo.

Las técnicas del grabado se suelen clasificar de acuerdo con el material en que se realizan, como por ejemplo, la xilografía (en madera), la  linografía (en linóleo) o la litografía (piedra caliza pulida).

Antes de la invención de la fotografía, el grabado se empleaba para ilustrar los libros. También se empleó para ilustrar periódicos.

El grabado es una de las expresiones artísticas más antiguas, que ha permitido dejar testimonio de hechos históricos a través de las distintas épocas, en distintos países.

Fan Art: fanáticos artistas

Gracias a los medios masivos de comunicación, algunas expresiones artísticas han ido cobrando mayor relevancia. Una de las más populares en la actualidad es el fan art o fanart, que viene a aplicarse a una obra de arte realizada por un fanático, el cual se inspira en la obra de otro artista, en otra época, o en un universo imaginario, sus personajes, etc.

El fan art requiere de un trabajo de cita y estudio estético (estilo) que lo hacen reconocible del simple copiado o imitación de estilo.

El propósito del fan art es generar nuevas narraciones expandiendo el universo de los elementos tomados.

Arte Cinético: Poesía En Movimiento

Dentro de las tendencias modernas del arte, en la pintura y en la escultura, podemos encontrar una corriente llamada Arte Cinético, el cual pretende dotar de movimiento o de apariencia de movimiento a sus producciones.

En el caso de la escultura cinética, destacan los elementos móviles dentro de ella; en el caso de la pintura, se propone un efecto óptico que reproduce la apariencia de movimiento.

Como podemos ver en el vídeo anterior, la escultura Cinética puede aprovechar el viento para generar el movimiento.

También puede ser motorizado, controlado electrónicamente o mecánicamente.

Características:

• El arte cinético se basa en la búsqueda de movimiento, pero en la mayoría de las obras el movimiento es real, no virtual.
• Para realizar la obra el artista se plantea y sigue una estructura rigurosamente planificada.
• La mayoría de las obras cinéticas son tridimensionales, se despegan del plano bidimensional.
• Los recursos para crear movimiento son casi infinitos, tales como el viento, el agua, motores, luz, electromagnetismo.
• Busca la integración entre obra y espectador.

Pintura al pastel: Técnica seca

Aunque se parece mucho al dibujo, el uso de colores pastel es considerada como técnica de la pintura.

El pastel es una técnica cuya consistencia se difumina al borde del objeto dónde se plasma. Existen lápices que se utilizan con trazos finos y delicados. Se presenta en grafitos de aceite.

Es realizada sobre papel rugoso, de colores neutros, que permiten realizar imágenes con efectos muy particulares:

Para obtener los efectos de difuminado se pueden emplear los dedos de las manos, trozos de papel o hasta los nudillos. Al difuminarse, los colores se mezclan de manera especial, dándonos algunos efectos muy interesantes.

La Acuarela: apuntes breves

Una de las técnicas de la pintura que ofrece muy especiales formas de expresión es la acuarela.

En esta técnica se aprecia textura, manchas y goteaderos diluidos de pintura; Se puede trabajar con agua y en seco logrando texturas parecidas a las de un gis sobre la pizarra. Todos estos elementos logran un efecto visual propio de la acuarela.

La acuarela es un tipo de pintura que generalmente se realiza sobre papel o cartón (cartulina), que requiere de mucha agua para diluirse, y crear esos efectos que hemos mencionado. Se suele pintar en capas transparentes (a mayor agua empleada, mayor transparencia) por lo que el rol que juega el papel o cartulina en el resultado final es muy importante, ya que se convierte en un tono más de la pintura.

Algunos conceptos sobre los elementos técnicos del dibujo y la pintura

El dibujo y la pintura pertenecen a lo que tradicionalmente se conoce en las artes plásticas como gráfica. Ambas disciplinas comparten algunos elementos compositivos, pero cada una tiene sus propias técnicas. Veamos algunos conceptos generales.

La composición, que se refiere a la forma como acomodamos los elementos que van a aparecer en nuestro cuadro o nuestro dibujo (o también en nuestra fotografía, o escultura, de hecho) se vale de elementos constitutivos como la simetría:

Simetría es definida en el diccionario como "Correspondencia exacta en forma, tamaño y posición de las partes de un todo". También así: "Correspondencia exacta en la disposición regular de las partes o puntos de un cuerpo o figura con relación a un centro, un eje o un plano". Simetría es un principio que da equilibrio. Se distingue al dividir con una línea imaginaria el centro de una imagen, ya sea de forma vertical u horizontal, o ambas, como en la imagen de arriba.

En las artes visuales, la simetría no siempre es perfecta, pero nos permite darle equilibrio y armonía a nuestras imágenes:

Aquí vemos un ejemplo de simetría cuyo eje es horizontal:

Otro elemento es la perspectiva: Es el arte de dibujar volúmenes (objetos tridimensionales) en un plano (superficie bidimensional) para recrear la profundidad y la posición relativa de los objetos. 

Un plano (una hoja de papel, un pliego de cartulina, un lienzo en los cuales vamos a dibujar o a pintar) solamente tiene dos dimensiones: altura y anchura; un volumen tiene tres dimensiones: altura, anchura y profundidad. La perspectiva nos permite engañar al ojo para que perciba en un plano la tercer dimensión: profundidad. Esto le da más realismo a nuestra imagen.

Para crear la perspectiva necesitamos hacer que los objetos que están más cerca aparezcan más grandes que los que están lejos, lo cual se logra mediante el punto de fuga, que es el punto "lejano" en el cual se juntan todas las líneas que conforman nuestro dibujo, si las prolongamos de forma imaginaria: